나은미초대전Na, Eunmi Solo Exhibition2025. 9. 11. Thu- 2025 9. 23. Tue

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9월 6일
10분 분량

최종 수정일: 9월 16일

나은미 Na, Eunmi

-작가노트-

내 작업에 도화선이 되어준 음악, 노래가 없었다면 이런 작품들이 나올 수 없었을 거라 믿어 의심치 않는다.

외롭고 힘 들었던 삶, 그 현실에서 벗어날 수 있는 돌파구가 되어준 꿈 같은 시간은 작은 음악회에서 보컬로 무대에 섰던 그 시간들… 노래를 부르는 시간 만큼은 힘든 현실을 잠시 잊을 수 있었다. 때로는 뮤지컬 주인공으로, 때론 영화 속 주인공, 샹송 가수가 되어 보기도 하고, 파랑새가 되어 무지개 너머 희망 찾아 날아가는 꿈을 꾸기도 했다. 노래를 부르면서 상상의 나래를 펼치는 그 모든 것들이 내 작품에 영감을 주었고 모티브가 되었다. 작품마다 보여지는 수많은 곡선들은 멜로디, 음악적 선율을 드로잉 선, 추상적인 언어로 그리고, 노래가 주는 느낌은 그 각각의 색으로 표현하여 음악을 회화작품으로 시각화하고 싶었다. 모든 작품의 composition으로 색 분할과 음악적 선율인 드로잉 선들로 화면전체를 채우고 그 속에 다양한 이미지들을 등장 시키고 있다. 그 형상들은 노래 이야기 속 주인공들과 악기들로 장식적 효과를 주고 있지만 사실 장식 그 이상의 의미가 있다. 왜냐하면 그 모든 주인공들은 그 노래들이 표현하는 사랑, 꿈, 희망, 자유를 은유적으로, 시적으로 묘사하는 그 노래들의 상징적인 의미가 내포되어 있기 때문이다.

작품마다 표현된 새, 고양이, 어릿광대 등 노래 속 스토리에 등장하는 주인공들은 그 이야기 하나하나 나의 이야기이고 그 주인공이 바로 나 자신이라는 생각을 하면서 작업을 했다. 노래를 부르는 순간마다 그 스토리의 새가 되었고, 고양이가 되었던 것처럼 그림을 그리는 동안에도 그 상징적 주인공들과 나 자신을 동일시하면서 작업해왔다. 그 외에 자주 등장하는 악기들 또한 단순히 음악적인 요소의 표현을 떠나 또 다른 중요한 의미가 있다. 나와 음악회를 함께 해 왔던 악기 연주자들 자신이 직접 연주하던 악기들로써 연주자들의 모습을 상징화한 것이다. 그 연주자들이 몇 작품 속에서는 직접 연주하는 모습으로, 숲의 요정으로 또는 어릿광대 모습으로 표현되기도 했다. 실력 있는 정통 클래식 연주자들 사이에서 감히 음악을 함께 공유할 수 있었던 영광스럽고 행복했던 시간들, 그리고, 아름다운 노래들 속에 흠뻑 빠져서 꿈꿀 수 있었던 소중한 추억으로 남아 있다. 사랑, 자유, 희망, 꿈의 메시지가 담긴 노래를 불렀고 지금은 그 느낌 그대로 무대가 아닌 캔버스 위에서 붓으로 노래를 새롭게 다시 부르고 있는 이유는 내 맘 속 깊은 곳에서 이루지 못한 사랑, 자유, 희망을 꿈꾸고 있어서 그런 가 보다.

-Painter's Note-

The secret that has kept me going on my art is music and my songs. All these works could never have happened without it.

While going through the lonely and difficult times, the moments when I performed in the stages in a lot of small concerts were perfect getaways for me. When I was singing on the stages, I could completely forget the reality and become what I wanted to be for the moments - I was the princess, the main roes of the musicals and movies, a bluebird flying over the rainbow, a chansonnier and performing on the streets of Paris and more.

These moments of imagination became the inspiration and motifs for my work. The countless curves stretched across the canvas are visual translations of musical melodies and rhythms—drawn lines as abstract language. The emotions carried by song are transformed into colors, visualized as painting. Within the composition, the divisions of color, and the flowing, melody-like lines that fill the surface, various images appear. Birds, cats, and clowns emerge not as mere ornaments, but as symbols that metaphorically embody the love, dreams, hope, and freedom contained within songs.

These heroines, the characters in my imagination that mentioned above when I sang on the stages are honestly my own stories. I became everything I wanted to be when I sang, like the bird, the cat, clown and more. It is same when I paint. I became those characters in the stories.

The instruments that frequently appear in my work are not simple decorative elements of music. They symbolize the presence of the musicians who once shared the stage with me, incarnations of the very instruments they played. In some pieces they appear as fairies of the forest, or in the guise of clowns. The moments when I was able to share the stage with accomplished classical musicians remain for me both an honor and a cherished memory.

On the stages, I sang songs filled with messages of love, freedom, and hope. Now, I am singing on canvas with brushes. It’s probably because deep down I still dream of the love, freedom, and hope that have not yet been fulfilled.

빛과 심연 사이, 그 주름들이 펼치는 폴리포닉 메르헨(Polyphonic Märchen)

- 나은미 작가 초대개인전에 부쳐

나은미 작가는 미술대학 재학 중, 80년대 소극장 연극 운동의 선봉에서 새로운 연극 미학을 선보이며 각광을 받고 있던 ‘연우무대’에서 상연된 극을 보고 크게 감명을 받는다. 그리하여 졸업 작품을 제작하는 중에 극단 활동을 곧장 시작하게 되는데, 당대의 역동적인 시대적 상황 속에서 신체 전체와 발성을 써서 표현하는 장르로 자신의 경험 및 감정 등을 드러내는 것에 강하게 매료되었을 것이라 가늠된다. 표현주의적 경향을 기반으로 하며 사회 참여적 내용을 작업에 담으려 했던 작가의 프로페셔널한 조형적 작업은 그렇게 무대와 연관하여 시작되었다. 이후 디자이너로 활동한 후 오래도록 미술 교육에 전념하게 되는데, 늦어진 첫 개인전에 이러한 연유들이 존재한다.

그동안 그룹전에는 참가해 왔으나 단독적으로 작품들을 선보이는 것은 처음임에도, 완벽주의자이며 극히 섬세한 감성을 지닌 작가의 성정이 드러나는 그림들의 높은 밀도와 심도는 보는 이들의 눈과 마음을 단번에 사로잡는다. 이번 초대전을 위해 곡진한 정성을 기울여 제작한 작품들은 그 제목들이 드러내듯, 또한 작가 노트에 적은 바대로 소규모이지만 전문성이 뛰어난 연주가들로 구성된 실내악단과 함께 한 음악적 경험을 회화적으로 표현한 것들이다. 일찍이 칸딘스키(Wassily Kandinsky), 파울 클레(Paul Klee) 등 독일 표현주의 작가들을 비롯하여 적지 않은 조형작가들이, 19세기 중후반부터 사진으로 대체된 재현적 예술의 위기를 극복하려는 주된 의도에서 회화에 음악적 특성을 더하기 위해 여러 실험을 해왔다. 전시된 작품들은 그러한 현대미술의 선조들이 궁구한 작업을 계승하고 있다고도 볼 수 있을 것이다.

작가가 이번에 선보이는 회화 작품들은 크게 보아 세 가지 특성을 지닌다고 이야기할 수 있다. 우선은, 이쪽과 저쪽을 포괄하면서 동시에 허무는 하나의 영역으로서의 경계성(사이성, 주름)을 잘 드러내고 있다는 것이다. 열한 점의 그림들을 전반적으로 살펴보면, 여러 경계 위에 서서 두 가지 대조적인 특징들을 상충시키면서 동시에 조화시키는 조형적 성격 및 의미 내용들을 나타내고 있다. 추상과 구상적 표현, 상상의 세계와 현실, 빛과 어둠, 드로잉적 선들의 자유로운 흐름 및 얽힘과 명암적 계조(階調)를 지닌 면(Plane)들, 고전성과 현대성 등이 드러내는 이 사이성은, <La Vie en Rose 2>에서 보이듯 토르소적이자 유령적인 형상의 뒷모습을 보이는 여성 복장의 주름들과, <Send in the Clowns> 혹은 <Once upon a dream>에서의 우울한 표정을 한 소녀의 머리카락 등을 통해 작업 전체에 미묘한 뉘앙스를 더하면서 하일라이트를 이룬다. 고전적 작품들처럼 한 곳에 그리고 화면의 중심에 집중된 절정이 아니라 캔버스 전반에 걸쳐 만면하게 퍼져있는 주름들은 모든 경계를 허물며, 푸른빛이 주된 기반이 되는 색채들과 어우러져 안개 같은 우리 실존의 상황을 나타내는 듯하다. 동시에 그것은 새로운 차원으로 나아가기 위한 문지방이 된다.

언급한 대로 전체적인 색조가 주로 푸른빛에 기반하고 있는데, 이 푸름은 여명의 무렵이나 어둠이 내리기 직전과 같은 시간의 경계에서 만나볼 수 있는 색채이다. 어느 작가의 말대로 생의 그늘을 드러내기에 가장 적합하다고 할 이 색은 예컨대 <Once upon a dream>에서의 젊은 여성의 얼굴이나 <Over the rainbow>에서의 드넓고 아스라한 대기를 표현한 공간 등에서 집약되어 나타나고 있다, 너무 환한 곳에서도 깊은 어둠 속에서도 날아가 버리거나 보이지 않는 푸른색은 우주적 심원성을, 또한 인간 내면의 정신성을 표현하기에 제일 적절한 빛깔이라고 할 수 있을 것이다. 피카소의 청색시대의 작업, 세잔 수채화의 투명한 파랑, 샘 프란시스 추상화에 있어서의 청신한 블루, 이브 클라인 특유의 울트라마린 등도 그런 측면에서 거의 동일하다 하겠다.

다음으로는, 회화 양식에 음악적인 이야기를 풀어내기 위한 과정에서 필연적으로 드러나기 마련인 폴리포니적(Polyphonic) 구성의 특징을 들 수 있다. 이것은 앞서 말한 사이성과 일정 정도 겹치기도 하는데, 색채의 전반적 기조가 경계적 공간을 드러내지만, 화면 구성의 기본적 계조는 명암의 여러 단계를 세심하게 포진시키고 있다. 그것은 때로는 아름다운 화성을 이루는 바로크 음악처럼 폴리포닉하게 조화롭기도 하나, 스트라빈스키, 쇤베르크의 그것에서의 불협화음처럼 가장 높고 가장 낮은 명도 혹은, 대비적 색채의 면들이 부딪쳐 이루는 조각들로도 배치되고 있다. 그런 면에서 폴리포니의 구조는 고전성과 현대성을 동시에 나타내며 이중적으로, 미하일 바흐친(Mikhail Bakhtin)적인 의미에서 ‘대화’하고 있는 셈이 된다. 또한 협연한 음악가들과의 폴리포니적 연주의 기억을 화면에 새기고도 있기에 더욱 풍부한 의미와 조형성을 생성시키고 있기도 하다. 나아가, 이 전시 작품의 주요 계기가 된 미술과 음악의 대화라는 폴리포니성을 간과할 수 없다

위에서 이야기한 두 가지 특징의 적절한 구성들은 화면에 판타지(Fantasy)의 분위기를 더하고 있다. 발터 벤야민(Walter Benjamin)은 모든 회화는 필연적으로 그리고 상관적으로 판타지인 동시에 모상(模像)이라고 한 바 있다. 또한, 이념의 빛은 창조적인 토대의 어두움과 맞서 싸우며, 이 싸움 속에서 그 빛이 판타지의 색깔 유희를 산출해낸다고 말한다. 이번 전시의 작품에서는, 무엇보다 이러한 벤야민이 간파한 회화적 특징을 또한 잘 보여준다고 해야 할 것이다. 이 판타지적 성격은 전시된 작품들의 두드러진 특징으로서 마지막으로 언급할 수 있는 메르헨(동화Märchen, fairy tale)적인 성격을 더욱 증폭시키고 있기도 하다.

나비, 돌고래, 고양이, 어릿광대, 요정, 종이접기로 만들어진 배, 비행기, 바순, 클라리넷 등의 관악기, 바이올린, 피아노, 연주자 등등 흡사 숨은그림찾기 놀이처럼 그 유희성이 흥미롭게 다가오는 사물과 인물의 모티브들은, 광활한 우주를 배경으로 아주 먼 과거의 기억과 지금 이곳의 경험을, 애써 발돋움해 보지만 닿기에 요원한 이상과 부조리하지만 자유와 사랑에의 열망으로 항해하는 지금 이곳의 현실을 연결하는 동화적인 별자리(Konstellation)를 이룬다. 잉그리드 바흐만(Ingrid Bachmann), 루이제 린저(Luise Rinser)와 같은 작가들을 비롯한 많은 문인들이 소설 장르의 한계를 극복하고자 메르헨에 주목하였다. 다소 그로테스크하면서도 유머러스한 메르헨적 표현을 선호하며 작은 그림들로 심원한 세계관을 드러낸 파울 클레의 지지자이기도 했던 발터 벤야민은, 메르헨을 신화(Mythos)가 드러내는 폭력성에서 해방을 가져다주는 마법과도 같은 것이라고 이야기한 바 있다.

생의 고통을 통과하는 시기에 커다란 위로를 준 음악 경험과 또 협연으로 함께 한 이들과의 소중한 추억, 그리고 화가가 독창적으로 해석한 각 노래의 뜻과 리듬이 담긴 화폭들은, 위에서 제시한 주요 특징들과 더불어 우주적일 만큼의 너비와 깊이의 보편성을 지닌다. 판타직한 우주적 무대(경계)에 서서 부를 나은미 작가의 다음 노래, 세헤라자드의 그것처럼 매일 이어질 그의 이야기가 더욱 궁금해지는 까닭이 또한 여기에 있다.

-미술사연구자 변진혜-

Between Light and Abyss: The Polyphonic Märchen Unfolded by Folds

— On the Occasion of Na Eunmi’s Invitational Solo Exhibition

When Eunmi Na was studying art back in the University years, one day she got deeply impressed by a performance by a group called “Yeon Woo Stage”, a troupe at the forefront of the 1980s small-theater movement that drew wide attention for presenting a new aesthetics of theater. This encounter led her to immediately join the troupe’s activities while preparing her graduation project. Considering the dynamic socio-historical atmosphere of the time, it may be assumed that she was strongly fascinated by a genre that employed the whole body and vocal expression to convey lived experience and emotion. Her professional plastic practice—grounded in Expressionism and imbued with socially engaged themes—thus began in close association with the stage. Later, she worked as a designer before devoting herself primarily to teaching in art academies and studios. These circumstances explain the belated arrival of her first solo exhibition.

Although she has previously participated in group shows, this is the first occasion on which she presents her works independently. The high density and depth of her paintings—revealing the nature of a perfectionist with an extremely delicate sensibility—immediately capture the eyes and hearts of viewers. The works she has painstakingly created for this invitational exhibition, as their titles suggest and as her artist’s note indicates, are painterly expressions of her musical experiences performing with a chamber ensemble composed of a small but highly accomplished group of musicians.

As early as the late 19th century, numerous artists—including Wassily Kandinsky, Paul Klee, and other German Expressionists—undertook experiments to endow painting with musical qualities, in response to the crisis of mimetic art displaced by photography. The works on display may be seen as inheriting the legacy of those modernist predecessors.

The paintings presented here may be described as possessing three principal characteristics. First is their articulation of in-betweenness—the boundary (or fold) as a liminal space that simultaneously encompasses and dissolves dualities. Observing the eleven works overall, one sees a consistent structure of standing at thresholds, confronting and reconciling opposites: abstraction and figuration, imagination and reality, light and darkness, the free flow and entanglement of drawing-like lines and the tonal gradations of planes, classical and modern sensibilities. This liminality (Zwischenheit) is highlighted in works such as La Vie en Rose 2, where the pleats of a woman’s torso-like yet ghostly attire emerge, or in Send in the Clowns and Once upon a Dream, where the melancholy strands of a girl’s hair form subtle nuances across the whole body of work. Unlike classical compositions, which focus climax at a single point in the center, the folds here are diffused across the canvas, dismantling all boundaries. Blended with blue as the dominant tonal base, they evoke the mist-like condition of our existence, while simultaneously serving as thresholds toward a new dimension.

As noted, the prevailing tonality is based on shades of blue—a color encountered at the boundary of times, at dawn or just before darkness falls. According to what one of the artists said, this hue, most apt for evoking the shadows of life vis condensed, for example, in the face of a young woman in “Once upon a Dream” or in the vast, ethereal atmosphere of “Over the Rainbow”. Blue, which vanishes in overly bright light as well as in the depths of darkness, is perhaps the most fitting color to express cosmic profundity and human interiority. One may recall Picasso’s Blue Period, the transparent blues of Cézanne’s watercolors, the fresh blue of Sam Francis’s abstractions, or Yves Klein’s signature ultramarine.

The second characteristic is polyphonic structure, inevitably revealed in the process of unfolding musical narratives through painterly form. This polyphonic quality overlaps with the liminality: while the overall chromatic base expresses boundary spaces, the compositions are articulated through careful gradations of light and shade. Sometimes, like the harmonious polyphony of Baroque music, they resonate with concord; at other times, like the dissonances of Stravinsky or Schoenberg, fragments collide in highest and lowest tones or in contrasting color planes. Thus, the polyphonic structure embodies both classical and modern elements, engaging in a kind of “dialogue” in the Bakhtinian sense. Moreover, the memory of polyphonic performance with collaborating musicians is inscribed upon the canvas, further enriching the works with layered meaning and form. The polyphony of dialogue between painting and music, which served as a key impetus for this exhibition, cannot be overlooked.

Thirdly, these works embody a fantasy-like atmosphere. Walter Benjamin once observed that every painting is necessarily and correlatively both fantasy and image. The light of an idea, he argued, contends with the darkness of creative ground, and within this struggle arises the chromatic play of fantasy. Above all, the present works exemplify this quality keenly discerned by Benjamin. The fantasy-like character, in turn, amplifies the Märchen (fairy-tale) aspect that stands as another prominent feature of this exhibition.

Motifs such as butterflies, dolphins, fairies, paper boats and airplanes, bassoons, clarinets, violins, pianos, and performers—appearing almost like elements in a “hidden picture” game—converge into playful yet evocative constellations. These Märchen-like constellations link vast cosmic backgrounds with distant memories of the past, with the immediacy of the present, and with the yearning for freedom and love that strives yet struggles to reach ideals always just out of grasp. Many writers, including Ingrid Bachmann and Luise Rinser, turned to Märchen as a way to overcome the limitations of the novel genre. Walter Benjamin, a supporter of Paul Klee—who himself favored slightly grotesque yet humorous Märchen expressions to reveal profound worldviews in small paintings—wrote that Märchen function like magic, liberating us from the violence inherent in myth (Mythos).

Her works in this exhibition are created and described from her beautiful memories with music and her musical interpretation especially when she was going through difficult times along with the features that mentioned above, yet the results embody universality of breadth and depth almost cosmic in scale. Standing on the boundary of a fantastic cosmic stage, one cannot help but wonder about the artist’s next song—her continuing tale, like that of Scheherazade, to be told anew each day.

By Jin-Hye Byun, Art Historian